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Une fois par mois, nous donnons la parole à de jeunes artistes sous le format d’une interview. Ce format a pour objectif de donner aux jeunes artistes un espace de discussion et de partage de leurs productions, mais aussi de faire découvrir au public leurs parcours & leurs démarches artistiques. Ce mois, nous avons eu le plaisir d’échanger avec Riya Panwar, artiste et étudiante à la Royale Collage of Art de Londres.
Qui est Riya Panwar ?
Riya Panwar est une personne qui se considère comme une expérience continue, embrassant la croissance à travers l’imperfection et apprenant des échecs. Son parcours créatif l’a vue assumer différents rôles, notamment directrice artistique, styliste et artiste visuelle. Actuellement, elle est plongée dans l’exploration du développement visuel alternatif à travers des techniques telles que la photographie visuelle alternative tout en poursuivant son Master à la Royal College of Art en communication visuelle.
Elle s’identifie elle-même à un arbre, établissant des parallèles entre sa croissance et celle de l’arbre. Tout comme un arbre se tient ferme au milieu des tempêtes, de la pluie et de l’obscurité, elle affronte les défis de front et continue d’évoluer avec chaque saison, portant des fruits, des fleurs et des feuilles vertes luxuriantes. Riya trouve l’inspiration dans la nature, reconnaissant que notre existence même et notre volonté de créer sont entrelacées avec le monde qui nous entoure. En fin de compte, son objectif est de créer de l’art qui raconte une histoire, capturant des moments dans le temps.
Quel a été votre parcours scolaire et professionnel jusqu’à présent ?
Mon parcours éducatif et professionnel jusqu’à présent a été diversifié. Je viens de Dehradun, une vallée pittoresque qui a nourri mon amour pour l’observation des couleurs changeantes du ciel. J’ai suivi des études scientifiques à l’école, où la chimie m’a fasciné, bien que la physique n’était pas vraiment ma tasse de thé. La danse faisait partie intégrante de ma vie pendant mes études, avec ma participation en tant que danseuse folklorique.
Après l’école, j’ai déménagé dans un autre État en Inde pour mes études universitaires en communication de la mode à l’Institut Symbiosis de Design, à Pune. Ce programme de quatre ans m’a sculptée en directrice artistique capable de créer des visuels.
L’épidémie de COVID-19 en 2020 a perturbé mon année de diplôme, me laissant dans un état de confusion alors que mon travail penchait fortement vers la direction, ce qui est devenu difficile avec tout fermé. Pour m’adapter, j’ai plongé dans le design de communication, un domaine englobant le branding, le merchandising visuel et la direction artistique. Ce changement m’a permis de contribuer à distance à des marques, me conduisant finalement à assumer des rôles de responsable de la communication dans des agences de publicité à Mumbai et Pune.
Cependant, le rythme effréné de l’industrie publicitaire a drainé mon énergie créative, soulignant la nécessité d’un équilibre entre les responsabilités financières et la croissance personnelle. En 2022, j’ai pris la décision de poursuivre un Master pour solidifier mon chemin, dans le but de transmettre des connaissances et d’inspirer les autres. Le Royal College of Art (RCA) semblait approprié pour mon parcours en tant que communicatrice.
Alors que certains se demandent si je reviendrai à la mode, j’ai réalisé que ma passion réside davantage dans l’art et le design. La mode, pour moi, consiste à partager des histoires vécues plutôt que de simples glamour et beauté. En embrassant l’expérimentation, je comprends l’importance d’explorer continuellement de nouvelles avenues de narration visuelle, suscitant la curiosité parmi mon public.
Vous avez commencé à faire beaucoup de photographie de portrait, puis avez expérimenté davantage avec les matériaux, en réfléchissant à la manière dont vous pourriez emmener vos photographies vers d’autres médias et formats. Qu’est-ce qui a déclenché votre décision ? Et le choix de faire cela ? & Dans vos projets, vous explorez la notion de temps et de détérioration. Pouvez-vous développer ?
La décision de plonger dans la photographie alternative et d’expérimenter avec différents matériaux est née du désir d’infuser mon travail avec ma vision authentique. Alors que je travaillais initialement en tant que directrice artistique au sein d’une équipe, j’ai ressenti un sentiment de détachement par rapport à ma perspective brute. La photographie est devenue pour moi un moyen d’explorer cette vision, notamment à travers des techniques alternatives qui embrassaient les imperfections et les erreurs comme des éléments intégraux de l’expression artistique. Contrairement à la photographie traditionnelle, qui privilégie souvent des images sans défauts, je me suis retrouvée attirée par la nature tactile et imparfaite des processus alternatifs.
En ce qui concerne mon exploration du temps et de la détérioration dans mes projets, elle est enracinée dans une perspective philosophique sur l’existence humaine et notre relation avec la nature. Je perçois mon travail comme similaire au passage du temps, tout comme la croissance et la transformation d’un arbre. Plutôt que de simplement créer des pièces visuellement attrayantes ou envoûtantes, je vise à imprégner mon travail d’un sentiment de temporalité, reflétant la nature toujours changeante de la vie.
Mon choix d’incorporer des matériaux tels que des plantes, des fruits et des biomatériaux dans mon art vise à souligner ce concept de compréhension visuelle durable. En utilisant des médiums qui évoluent et se décomposent naturellement avec le temps, je cherche à articuler visuellement le voyage de croissance et de changement inhérent tant aux êtres humains qu’au monde naturel. Cette approche est en accord avec ma compréhension philosophique et psychologique de l’existence, en soulignant l’interconnexion entre l’humanité et la nature alors que nous évoluons et définissons nos identités au fil du temps.
Pouvez-vous citer trois livres qui ont inspiré votre pratique ?
Mon inspiration ne vient pas de figures connues ou de leurs œuvres littéraires. Mon élan créatif est plutôt alimenté par les personnes et les situations qui m’entourent, en particulier celles qui endurent des luttes dans leurs parcours créatifs.
Je trouve une inspiration profonde dans ma famille. La sagesse de ma mère, me rappelant que rien dans la vie n’est permanent et que le changement est inévitable, résonne profondément en moi. Assister à l’esprit d’entreprise de mon père, à sa volonté de prendre des risques et à son acceptation de l’échec comme partie intégrante du chemin vers le succès, a façonné ma compréhension de la résilience et de la persévérance.
Vivant dans une famille élargie aux côtés de mes grands-parents, je puise mon inspiration dans les dynamiques intergénérationnelles et les récits en évolution qui se déroulent au sein de notre foyer. Bien que je m’abstienne de mettre mes parents ou membres de ma famille en lumière pour protéger leur vie privée, il est indéniable que leurs expériences et leurs conseils ont servi de sources inestimables de sagesse et d’insight, façonnant ma croissance créative et ma perspective.
Écoutez-vous de la musique pendant que vous travaillez ?
Pendant que je travaille, j’aime généralement regarder des séries dans différentes langues. Étonnamment, ce n’est pas une distraction pour moi ; au contraire, je trouve que cela ajoute une touche de plaisir à mon processus de travail. J’apprécie d’écouter les mots et les conversations pendant que je suis occupée. En ce qui concerne la musique, je la réserve pour les moments de loisirs et de plaisir, notamment lorsque je danse ou que je passe simplement un bon moment. Donc, même si je n’écoute pas de musique en travaillant, j’ai une sélection de morceaux préférés auxquels je reviens pour ces moments remplis de danse.
En ce moment, vous fabriquez du papyrus à partir de fruits et de légumes. C’est un travail extrêmement méticuleux et délicat. J’ai remarqué que votre pratique implique également de vous intéresser au processus créatif des choses qui vous entourent et de les tester vous-même. Êtes-vous curieux d’apprendre d’autres techniques comme celle-ci ? Et laquelle serait-ce ?
Explorer diverses techniques et fusionner la matérialité est un aspect central de ma pratique artistique. Je suis constamment attirée par l’expérimentation avec différents processus, cherchant à comprendre comment les visuels peuvent s’intégrer de manière transparente avec les matériaux eux-mêmes.
En ce qui concerne votre question sur l’apprentissage d’autres techniques, je suis profondément curieux de plonger dans des processus de photographie alternative qui favorisent le développement visuel durable. Pendant mes prochaines vacances de printemps, je prévois de temporairement détourner mon attention de mes recherches actuelles pour explorer les méthodes d’impression anthotype et de chlorophylle. Cette expérimentation viendra compléter mon travail en cours avec le papier de papyrus, me permettant de repousser encore plus loin les limites de mon exploration artistique.
En fin de compte, mon approche de l’art tourne autour de l’embrassement de la patience et du passage du temps, tout en restant ouverte à la possibilité d’échec et à l’émergence de nouvelles découvertes. À travers ma propre expérimentation et mon apprentissage, j’espère inspirer les autres en démontrant la beauté de l’imperfection et la valeur d’embrasser le voyage de la création.
Une grande partie de votre travail implique l’impression en cyanotype. Pourquoi ce choix ?
Une partie importante de mon travail tourne autour de l’impression en cyanotype. Ce choix est né de mon désir de plonger dans des processus de photographie alternative suite à mon exploration de l’émulsion Polaroid. Le cyanotype s’est présenté comme une progression naturelle dans mon apprentissage. En creusant plus profondément, j’ai découvert sa compatibilité avec le bioplastique, ce qui a ouvert des avenues d’expérimentation et de créativité.
Au Royal College of Art (RCA), le cyanotype est devenu un point focal de mes recherches. Cependant, mon approche a été fluide et adaptative, évoluant au fur et à mesure que j’expérimentais avec différents matériaux et méthodes. Mon objectif a été de minimiser l’impact environnemental en utilisant moins de produits chimiques et moins d’eau dans le processus de développement.
En incorporant du bioplastique dans la chimie du cyanotype, j’ai pu réduire la consommation d’eau et les déchets chimiques tout en produisant des images visuellement frappantes sous la lumière UV. Bien que cette méthode soit encore à l’étape expérimentale, je m’engage à la perfectionner tout au long de mes études de Master. En fin de compte, j’ai l’intention de continuer à repousser les limites de la création visuelle durable, armé de nouvelles questions et avenues d’exploration.
Vous écrivez vraiment bien, l’écriture est-elle une pratique qui pourrait avoir une plus grande présence dans votre art à l’avenir ?
Merci pour le compliment. Je n’ai jamais vraiment été consciente de mes compétences en écriture, car personne ne me l’a jamais mentionné. Mon style d’écriture tend à être assez abstrait et poétique, reflétant la nature éparpillée de mes pensées. Je vois l’écriture non seulement comme un moyen de documentation, comme le font de nombreux artistes, mais aussi comme un moyen de transmettre mes vraies émotions, intentions et sentiments à ceux qui rencontrent mon travail.
Curieusement, je me retrouve à écrire assez longuement même dans les textos informels, en choisissant soigneusement mes mots et en utilisant des métaphores pour m’exprimer. Parfois, je me demande pourquoi j’ai écrit autant, mais je suppose que c’est juste une partie de qui je suis.
À l’avenir, je envisage d’intégrer plus profondément l’écriture dans ma pratique artistique pour voir comment elle complète mon travail. Je suis curieux de savoir si cela améliore la compréhension de mon public ou s’il détourne le sens de la curiosité. Ce sont des questions avec lesquelles je lutte encore moi-même.
Votre processus créatif et les matériaux que vous utilisez vous viennent très intuitivement. Pouvez-vous expliquer comment vous procédez ? Comment vous vient l’idée ? Par exemple, gardez-vous un journal d’idées, un carnet de croquis, un appareil photo ?
Le processus créatif pour moi est profondément intuitif, souvent suscité par des citations, des mots ou des conversations des personnes qui m’entourent. Je tiens un petit journal où je note ces phrases ou ces phrases qui résonnent en moi, qu’il s’agisse de mes propres pensées ou de quelque chose que j’ai entendu. Ces bribes servent de graines pour mes idées et mes réflexions.
Par exemple, le concept de lâcher prise découle des conseils de ma mère pour permettre aux choses de se dérouler naturellement, plutôt que de les forcer. Je trouve cette notion de recul par rapport à son travail et de lui permettre d’évoluer de lui-même cruciale. Parfois, je crée avec une intention spécifique à l’esprit, tandis que d’autres fois, je m’engage dans l’acte de création sans aucun but prédéfini. Le processus de création, pour moi, est une forme de lâcher prise et de compréhension. Au fil du temps, ces fragments d’idées et d’expériences se rassemblent en récits qui deviennent des chapitres de ma propre histoire.
Vous avez tendance à expérimenter avec des matériaux organiques et l’émulsion polaroid, et le mélange est très intéressant. Pouvez-vous nous dire ce qui vous attire dans cela ? Qu’espérez-vous réaliser avec cela ?
L’émulsion polaroid a été mon entrée initiale dans les techniques de photographie alternative, et elle m’a immédiatement captivée. L’attrait réside dans la nature transformative de l’émulsion, observer comment elle change d’état dans l’eau et l’air est vraiment fascinant. Lorsqu’elle est plongée dans l’eau, l’émulsion se comporte comme un poisson, tandis que dans l’air, elle forme une couche délicate comme une peau racontant une histoire.
Ce qui m’intrigue particulièrement, c’est la capacité de l’émulsion à s’adapter et à fusionner avec divers matériaux, tels que la pierre et les fruits, devenant presque un avec eux au fil du temps. Pendant le processus de séchage, l’émulsion subit d’autres transformations, adhérant au matériau comme une deuxième peau. Cet aspect souligne l’importance du substrat autant que de l’imagerie visuelle que je crée.
En expérimentant avec l’émulsion polaroid, j’ai entrepris un voyage pour découvrir et créer ma propre toile, me permettant de mouler et de modeler mon travail de manière unique. En fin de compte, mon attraction pour cette technique, et en fait pour toutes les méthodes de photographie alternative, réside dans le concept de transformation et de morphing, transcendant la simple création d’images pour devenir une exploration plus profonde des matériaux et des idées.
Vous aimez travailler avec la mémoire et le passé. Pouvez-vous nous parler de votre travail d’archivage ?
D’où viennent les histoires ? Elles découlent souvent de fragments de souvenirs ou d’expériences marquantes qui nous ont marqués. Je crois que c’est un fil commun parmi les créateurs, nous tirons tous notre inspiration de notre passé et de notre compréhension de celui-ci. Lorsqu’on nous demande de créer quelque chose de significatif, nous fouillons dans les couches de nos expériences, cherchant ces fragments oubliés et les réinterprétant sous un nouveau jour.
Bien que je ne fasse pas exception à ce processus, je m’efforce d’infuser mes récits personnels dans mon travail. En partageant des histoires de ma propre vie, je cherche à me connecter avec les autres sur un niveau plus profond, leur permettant d’entrevoir un fragment de qui je suis sans avoir besoin de connaître mon nom. De cette manière, mon travail devient un véhicule de narration, invitant les spectateurs à s’engager avec les souvenirs et les réflexions d’un créateur visuel.
Je pense personnellement que votre travail a une dimension très textuelle et historique. Est-ce quelque chose que vous voulez réaliser ? Et si oui, pourquoi ?
Pas vraiment, je ne cherche pas nécessairement à réaliser une dimension textuelle ou historique spécifique avec mon travail. Parfois, je me retrouve à explorer des matériaux en fonction de ma propre vision et de mes instincts de narration sans but particulier en tête. Cependant, il est intéressant d’entendre que certains perçoivent mon travail comme ayant une dimension historique ou ressemblant à un artefact. Bien que je n’aie pas considéré cet aspect auparavant, j’apprécie qu’il résonne avec d’autres et ajoute une autre couche d’interprétation à mes créations.
La nature est clairement une source d’inspiration pour vous dans votre pratique artistique. Qu’aimez-vous le plus dans la nature ? Et avez-vous des souvenirs spéciaux qui y sont liés que vous pouvez partager avec nous ?
La nature est en effet une source d’inspiration inépuisable pour moi. Ce que j’aime le plus, c’est sa capacité à évoquer une variété infinie de sentiments et d’émotions. En tant que personne vivant dans une région montagneuse, j’ai été élevée dans un environnement entouré de verdure, de rivières cristallines et de montagnes majestueuses. Chaque saison apporte une transformation spectaculaire, des fleurs éclatantes du printemps à la splendeur dorée de l’automne.
Un souvenir spécifique qui me vient à l’esprit est celui de mon enfance, quand j’ai accompagné mes parents lors d’une randonnée dans les collines environnantes. Nous avions emporté un pique-nique et avions trouvé un petit coin près d’un ruisseau. Je me souviens avoir ressenti un sentiment de paix en regardant l’eau cristalline glisser sur les rochers. Ce moment simple mais profondément significatif a laissé une empreinte indélébile dans ma mémoire, me rappelant l’importance de la connexion avec la nature dans un monde souvent agité.
Avez-vous déjà eu un moment de découragement dans votre pratique artistique ? Comment avez-vous surmonté cela ?
Le découragement fait malheureusement partie intégrante du voyage créatif. Il y a eu des moments où j’ai remis en question mon travail et ma capacité à réaliser ma vision artistique. Lorsque je me retrouve dans de tels moments, je me tourne vers des sources d’inspiration extérieures pour retrouver ma passion et ma motivation.
Parfois, une simple promenade dans la nature ou une conversation inspirante avec un ami peut suffire à raviver la flamme de la créativité. D’autres fois, je trouve refuge dans les œuvres d’artistes que j’admire, en étudiant leur processus créatif et en me rappelant que même les plus grands esprits ont connu des périodes de doute.
Une pratique qui m’a beaucoup aidé est la méditation. Prendre du temps pour moi-même, pour calmer mon esprit et me reconnecter avec mes motivations intrinsèques, a été essentiel pour surmonter les périodes de découragement. La méditation me permet de prendre du recul par rapport aux pressions extérieures et de me concentrer sur l’essence de mon travail créatif, me rappelant pourquoi je crée en premier lieu.
Quel conseil donneriez-vous à quelqu’un qui souhaite se lancer dans la photographie artistique ou l’art en général ?
Le conseil que je donnerais à quelqu’un qui souhaite se lancer dans la photographie artistique ou l’art en général est de rester fidèle à sa propre vision et de ne pas avoir peur d’expérimenter. Il est facile de se perdre dans la quête de la perfection ou de chercher à imiter les travaux des autres, mais c’est dans nos différences et nos imperfections que réside notre véritable force créative.
Prenez le temps d’explorer différents médiums, techniques et sujets. N’ayez pas peur de faire des erreurs, car c’est souvent à travers ces erreurs que nous découvrons de nouvelles voies de création. Plus important encore, écoutez votre propre voix intérieure et laissez-la guider votre travail. L’art est une forme d’expression personnelle, et c’est en restant fidèle à notre propre vision que nous pouvons créer des œuvres vraiment significatives et authentiques.
Vos œuvres « Edible Art » et « Transference » ont été publiées dans Vogue India. Félicitations pour cela ! Pouvez-vous partager cette expérience avec nous ?
Avoir mon travail publié dans Vogue India a été une expérience vraiment gratifiante. Bien que j’aie des liens avec les directeurs créatifs de plusieurs magazines en Inde, je n’anticipais pas nécessairement cette opportunité, car la vision derrière mes créations diffère considérablement de ce que ces magazines présentent habituellement.
Avez-vous des conseils sur la façon de rester créatif ?
Continuez simplement à créer. Votre travail, parfois ou, disons, la plupart du temps, ne définira pas pleinement votre personnalité créative. Par conséquent, vous devez créer pour vous-même pour continuer à avancer et à grandir.
Où vous voyez-vous dans 5 ans ?
Je n’en suis pas tout à fait sûr. J’aspire à me lancer dans le monde académique et à poursuivre l’enseignement, mais cinq ans représentent une période significative. Je tends à ne pas planifier trop loin à l’avance ; plutôt, je me concentre sur l’établissement d’objectifs plus immédiats et réalistes tout en nourrissant mon imagination à travers mes entreprises créatives. Actuellement, mon plan est de terminer mon master et de me lancer dans le partage de mes connaissances avec les autres.
Quel est le meilleur souhait que nous puissions vous adresser pour votre carrière future ?
Je suis vraiment reconnaissant pour l’opportunité de partager mon travail et mon histoire avec les autres. J’espère que les gens trouveront de la valeur dans les aspects philosophiques de la vie que j’explore à travers mon art. J’aspire à rendre justice à mon travail et à réaliser mes aspirations pour l’avenir. Je souhaite vraiment que mon éducation et ma philosophie aident beaucoup à définir leur travail également, et je souhaite faire partie de leur parcours.
Nous vous souhaitons tout le bonheur et le succès pour l’avenir ! Dernière question, quel est votre mantra dans la vie ?
Mon mantra est d’embrasser l’im-permanence et l’imperfection de la vie. Quand la vie elle-même n’est pas permanente ou parfaite, il n’y a pas besoin de rechercher la perfection. Au lieu de cela, embrasser l’impermanence et l’imperfection permet à la lumière de briller à travers les histoires que nous partageons.
Vous pouvez retrouver le travail de Riya Panwar sur Instagram